Como os artistas LGBTQ+ usam a abstração para ultrapassar os rótulos

A arte figurativa está em alta há alguns anos, mas sempre foi muito popular. Isso ocorre em parte porque, para a maioria das pessoas, a arte funciona como um espelho no qual elas esperam ver a si mesmas e seu mundo refletidas de volta para elas. Mesmo quando representa assuntos ou experiências desconhecidas, a arte figurativa facilita esse processo de autoafirmação. É pela diferenciação que passamos a nos conhecer.

Colocar essa diferença em exibição, no entanto, muitas vezes pode ser simbólico. Corpos reconhecidamente negros ou queer na pintura figurativa, por exemplo, dão a colecionadores, galerias e museus uma oportunidade de reivindicar políticas progressistas às custas de artistas cujas obras podem ter a intenção de comunicar muito mais do que o fato externo de sua sexualidade ou cor de pele. Esse achatamento das identidades dos artistas tem sido uma tendência preocupante nas últimas duas décadas, e contra a qual muitos artistas estão lutando ativamente. O mercado tende a classificar a arte como "queer", por exemplo, porque representa o sexo entre corpos do mesmo gênero, embora a estranheza abranja mais do que o sexo.

O que, então, é "abstração queer"? O termo é escorregadio. A abstração, como a estranheza, deriva sua força da falta de fixidez. Ao contrário dos marcadores padrão que usamos para categorizar a identidade, ela se recusa a representar coerentemente qualquer pessoa ou coisa. Artistas LGBTQ+, ou artistas cujas sexualidades não são normativas, têm feito arte abstrata desde que a arte abstrata existe. Chamar seu trabalho de "queer" é muito mais difícil quando esse trabalho não envolve representação. A biografia do artista é de utilidade limitada e, em alguns casos, pode até se tornar uma armadilha. E, no entanto, a crescente popularidade da figuração descaradamente queer na arte, especialmente na pintura, deixou claro que alguns artistas LGBTQ+ estão pensando sobre sexualidade e desejo de maneiras novas e oblíquas. Diante de uma cultura que busca rotular tudo, a abstração queer vira as costas.

Os precedentes para esse tipo de trabalho são difíceis de definir, em parte devido à dificuldade de rotular artistas que, pelas convenções de sua época, não se identificavam como queer. Em muitos casos, incluir conteúdo sexual explícito em seu trabalho os deixaria vulneráveis ​​a assédio, discriminação e morte. Às vezes podemos prosseguir com certeza: por exemplo, sabemos por cartas que o artista Forrest Bess escreveu que pretendia que suas pinturas abstratas, com seu simbolismo junguiano, significassem seu próprio desejo pelo que ele chamava de "hermafroditismo", e que hoje podemos considere uma identidade intersexual ou não binária. O artista neoconcreto brasileiro Hélio Oiticica também escreveu em seus diários sobre um desejo de "hermafrodipotese" em sua arte, que ele buscava alcançar por meio de esculturas vestíveis ou habitáveis ​​que pudessem tanto disfarçar o gênero quanto embaralhar a sexualidade de qualquer um que interagisse com elas. .

A estranheza dessas obras, que não declaram claramente sua política sexual, reside em sua dinâmica espacial: os encontros íntimos e sensuais que engendram dentro de suas dobras suaves ou paredes escuras. Uma dinâmica semelhante foi explorada por muitas das contemporâneas feministas de Oiticica, como Faith Wilding, cujo Crocheted Environment para a exposição "Womanhouse" de 1974 pretendia evocar um útero. Mais recentemente, nas pinturas de Harmony Hammond, os ilhós pintados de vermelho são ao mesmo tempo características arquimodernistas — lembrando os famosos cortes de Lucio Fontana — e orifícios que menstruam. K8 Hardy's March (2020) aplica a técnica de tela tingida de Helen Frankenthaler a uma tela em forma de um enorme maxi pad.

Outros artistas rejeitaram formas sensuais em favor de um minimalismo radical que evoca as arquiteturas que controlam e às vezes são subvertidas pela intimidade queer. Por exemplo, Scott Burton projetou seus bancos geométricos de granito, que lembram vagamente corpos aninhados, para espaços públicos onde os homens podem se cruzar. As luminárias de mamilo e o bosque circular de Garden Court (1993), uma obra de arte pública em uma praça de Toronto, criam um ambiente para tais encontros, embora sua localização em um distrito comercial seja um local de vigilância corporativa.